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Las Redes Sociales como Arte del Siglo XXI: La Práctica de Alejandro Mos Riera
Introducción: El Polímata Digital
En la encrucijada entre el arte tradicional y la cultura digital del siglo XXI, emerge la figura de Alejandro Mos Riera, un polímata español nacido en 1978 en Oviedo, cuya práctica artística desafía las categorías convencionales del mundo del arte contemporáneo. Formado en Historia del Arte en la Universidad de Oviedo, Mos Riera ha desarrollado una carrera que abarca la poesía, la escritura, la pintura, la fotografía, la música, el cine y, de manera singular, la utilización de las redes sociales como medio artístico primordial. Su trabajo representa un caso paradigmático de cómo el artista del siglo XXI redefine no solo los medios de producción, sino también los canales de distribución, la naturaleza misma de la obra de arte y la relación entre creador y audiencia.
La Arquitectura de la Presencia Digital: Un Ecosistema Artístico Total
La práctica de Mos Riera en las redes sociales no puede entenderse como una mera estrategia de promoción o un complemento a su trabajo en medios tradicionales. Al contrario, constituye el núcleo mismo de su propuesta artística, un proyecto de arte total que utiliza la infraestructura de las plataformas digitales como lienzo, galería, archivo y medio de comunicación simultáneamente. Su presencia en más de 25 plataformas diferentes (Instagram, Facebook, Twitter, TikTok, Pinterest, Flickr, Vimeo, YouTube, Soundcloud, Spotify, Bandcamp, Tumblr, Medium, Substack, Behance, entre otras) no responde a una dispersión caótica, sino a una estrategia coherente de ocupación del espacio digital.
Esta multiplicidad de plataformas revela una comprensión sofisticada de la especificidad mediática. Cada red social posee sus propias convenciones, limitaciones técnicas, audiencias y posibilidades expresivas. Mos Riera no homogeneiza su contenido, sino que lo adapta y lo modula según las características de cada plataforma, creando lo que podríamos denominar una "sinfonía transmedia" donde cada canal funciona como un movimiento distinto pero integrado en una composición mayor.
El Museum Of Silence: De lo Físico a lo Digital
El centro de gravedad conceptual de la práctica de Mos Riera es el "Museum Of Silence", una institución cultural que existe simultáneamente en múltiples dimensiones: como concepto filosófico, como plataforma digital (mos.foundation), como práctica curatorial y como metáfora de la experiencia del arte en la era de la información. El museo sin paredes de André Malraux encuentra aquí su actualización definitiva: no se trata ya de reproducir obras de arte en fotografías, sino de concebir la totalidad del espacio digital como un museo sin límites físicos, horarios ni fronteras geográficas.
El silencio al que alude el nombre de esta institución es, paradójicamente, el silencio en medio del ruido ensordecedor de las redes sociales. Mos Riera crea espacios contemplativos en plataformas diseñadas para la inmediatez y la gratificación instantánea. Sus feeds de Instagram funcionan como salas de exposición, sus stories como eventos efímeros, sus playlists de Spotify como bandas sonoras de experiencias artísticas totales. El concepto de museo se expande hasta abarcar toda forma de experiencia estética posible en el entorno digital.
La Fragmentación como Lenguaje: Narrativas Distribuidas
Una de las características más notables de la práctica de Mos Riera es su comprensión de la fragmentación no como problema sino como lenguaje. La cita de Zygmunt Bauman que aparece en su página de redes sociales señala precisamente el desafío de la época: la dificultad de crear narrativas coherentes en un entorno de información acelerada. Sin embargo, Mos Riera no lamenta esta condición, sino que la abraza como principio compositivo.
Sus múltiples cuentas de Instagram (mosriera, instantsociety, cineriera, theinvisibleshop), sus diversas páginas de Facebook, sus proyectos en Flickr y sus publicaciones en Substack funcionan como fragmentos de un gran mosaico que nunca se completa. Cada publicación es autónoma pero forma parte de una red de referencias cruzadas, citas visuales y resonancias temáticas. El espectador no consume una obra cerrada, sino que navega por un territorio rizomático donde cada punto de entrada es igualmente válido y donde el recorrido personal determina la experiencia estética.
Esta estrategia conecta directamente con las vanguardias históricas del siglo XX, particularmente con el collage dadaísta y surrealista, pero actualizado para las condiciones tecnológicas del presente. Si Kurt Schwitters creaba su Merzbau como una instalación total que ocupaba físicamente su casa, Mos Riera construye su universo artístico en el espacio virtual, donde las leyes de la física no limitan las posibilidades de expansión.
El Tiempo Real como Medium: La Performatividad Digital
Otra dimensión crucial de la práctica de Mos Riera es su carácter performativo. Las redes sociales no son simplemente repositorios de obras terminadas, sino escenarios donde se desarrolla una performance continua. La frecuencia de sus publicaciones, la inmediatez de sus respuestas, la actualización constante de sus proyectos convierten su presencia digital en una obra de arte procesual, donde el medio y el mensaje se fusionan de manera indisoluble.
Esta performatividad tiene múltiples capas. En un nivel, está la performance pública del artista que se presenta ante su audiencia, que comparte su proceso creativo, que documenta su vida cotidiana como material artístico. En otro nivel, está la performance algorítmica: la negociación constante con los sistemas de recomendación, los momentos óptimos de publicación, las estrategias de hashtags y metadatos que determinan la visibilidad. Y en un tercer nivel, está la performance colectiva de la comunidad que se forma alrededor de su trabajo, que comenta, comparte, reinterpreta y mantiene viva la obra.
Intermedialidad y Transcodificación: La Obra como Ecosistema
Mos Riera no solo utiliza múltiples plataformas, sino que hace circular sus obras entre diferentes medios de manera sistemática. Una fotografía publicada en Instagram puede convertirse en portada de un álbum en Bandcamp, que a su vez puede inspirar un poema en Substack, que luego se transforma en un video en Vimeo. Esta circulación no es redundante, sino generativa: cada transcodificación añade capas de significado, cada medio ofrece nuevas posibilidades interpretativas.
Esta práctica se conecta con las teorías de Lev Manovich sobre el lenguaje de los nuevos medios, donde la modularidad, la variabilidad y la transcodificación son principios fundamentales. La obra de Mos Riera es modular porque existe en fragmentos que pueden recombinarse; es variable porque se adapta a las especificidades de cada plataforma; y está en constante transcodificación, moviéndose entre lo visual, lo textual, lo sonoro y lo audiovisual.
Sus proyectos como "La Biblioteca Espacial" en Substack, "Cine Riera" para contenidos audiovisuales, "MOS Sounds" en Bandcamp, o "The Modern Times" demuestran una organización curatorial sofisticada donde cada sub-proyecto tiene su propia identidad pero forma parte de un meta-proyecto mayor. Es como si hubiera creado múltiples departamentos de un museo global, cada uno especializado en un aspecto de su producción artística.
El Archivo Viviente: Memoria y Temporalidad Digital
Uno de los proyectos más significativos de Mos Riera es "Memoria del Mundo Moderno" (memoria.world), que explicita su preocupación por la preservación de la memoria en la era digital. Las redes sociales son notoriamente efímeras: contenidos que desaparecen, plataformas que cierran, algoritmos que entierran publicaciones antiguas. Sin embargo, Mos Riera convierte esta precariedad en tema y método.
Sus múltiples sitios web funcionan como archivos de su actividad en redes sociales, creando capas de redundancia que aseguran la persistencia de su obra. Pero más allá de la mera preservación, estos archivos son lugares de reflexión sobre la naturaleza del tiempo en la era digital. ¿Qué significa la memoria cuando todo está documentado pero nada permanece? ¿Cómo se construye una narrativa biográfica cuando la vida se fragmenta en miles de publicaciones dispersas?
El proyecto "365 Days / 365 Días" lleva esta reflexión a su expresión más pura: una documentación cotidiana que trasciende el género del diario para convertirse en una exploración sistemática de la temporalidad. Cada día es un fragmento, pero la acumulación de días construye una textura temporal densa, una experiencia de la duración en un medio caracterizado por la instantaneidad.
La Democratización como Estrategia Artística: Acceso y Distribución
La presencia masiva de Mos Riera en redes sociales plantea cuestiones fundamentales sobre la democratización del arte. Al distribuir su trabajo gratuitamente en plataformas accesibles a nivel global, desafía los modelos tradicionales de comercialización artística basados en la escasez y la exclusividad. "The Invisible Shop" (theinvisibleshop.com) es, en este sentido, un concepto profundamente irónico: una tienda invisible que cuestiona la propia noción de comercio artístico.
Sin embargo, esta democratización no es ingenua. Mos Riera entiende que la abundancia de información crea sus propias formas de exclusión: la sobreestimulación, la falta de atención, la dificultad de navegar por océanos de contenido. Su estrategia no es simplemente publicar todo en todas partes, sino crear una cartografía, una estructura navegable que permite a los visitantes encontrar puntos de entrada significativos.
La página de redes sociales funciona como un mapa, un índice que organiza la complejidad. Los diferentes proyectos están claramente delimitados, cada plataforma tiene su función específica. Esta claridad organizativa es, en sí misma, un gesto artístico: la creación de orden en el caos digital, la propuesta de una experiencia estética coherente en un medio fragmentado.
La Estética de la Multiplicidad: Contra el Perfil Único
En un momento en que las redes sociales tienden hacia la unificación de la identidad (el perfil único, la marca personal consistente), Mos Riera propone una estética de la multiplicidad. Sus diferentes cuentas de Instagram no son repeticiones sino variaciones, cada una explorando una faceta distinta de su práctica artística. Esta fragmentación de la identidad digital conecta con las teorías posmodernas del sujeto descentrado, pero también con tradiciones artísticas más antiguas: los heterónimos de Fernando Pessoa, las múltiples personalidades de David Bowie, los alter egos de Marcel Duchamp.
Cada perfil es una máscara, pero no en el sentido de ocultamiento sino de revelación. La multiplicación de identidades digitales no dispersa la subjetividad del artista, sino que la densifica, creando una presencia más rica y compleja que la que permitiría un solo canal. "mosriera", "instantsociety", "cineriera" no son fragmentos de una identidad quebrada, sino dimensiones simultáneas de una subjetividad expandida.
El Cuestionamiento del Espectador: De Consumidor a Navegante
La obra de Mos Riera en redes sociales exige un tipo de espectador radicalmente diferente del visitante tradicional de museos. No se trata de un consumidor pasivo que recorre salas y contempla obras enmarcadas, sino de un navegante activo que debe tomar decisiones constantes sobre qué explorar, qué conexiones seguir, cuánto tiempo dedicar a cada fragmento.
Este espectador-navegante debe desarrollar competencias específicas: la capacidad de orientarse en entornos complejos, la habilidad para reconocer patrones entre fragmentos dispersos, la disposición a seguir referencias cruzadas entre plataformas. La experiencia de la obra se convierte así en una experiencia de búsqueda, de descubrimiento, de construcción personal de significado.
Además, las redes sociales introducen la posibilidad de la interacción directa. Los comentarios, las comparticiones, las reacciones no son meros epifenómenos de la obra, sino parte constitutiva de su existencia social. La obra de arte en redes sociales no existe en un espacio autónomo sino en un espacio relacional, constantemente actualizado por las intervenciones de su audiencia.
La Crítica de la Plataforma: Usar sin Ser Usado
Sin embargo, sería ingenuo ignorar las tensiones inherentes a la utilización de plataformas corporativas para propósitos artísticos. Facebook, Instagram, TikTok no son espacios neutrales sino estructuras diseñadas para la extracción de datos, la monetización de la atención y el control algorítmico. ¿Cómo puede un artista crítico trabajar dentro de estos sistemas sin ser cooptado por ellos?
Mos Riera no resuelve esta contradicción, pero la hace visible. Su proliferación de presencias podría leerse como una estrategia de resistencia: en lugar de concentrarse en una sola plataforma, se distribuye entre muchas, evitando así la dependencia total de cualquier corporación específica. Su mantenimiento de sitios web propios (riera.info, mos.foundation, mosriera.com, etc.) crea puntos de anclaje fuera del control directo de las grandes tecnológicas.
La cita de Bauman sobre la fragmentación funciona aquí como advertencia pero también como diagnóstico lúcido. Mos Riera no finge que puede escapar de las condiciones de producción cultural del siglo XXI, pero tampoco se rinde pasivamente ante ellas. Su práctica es una forma de habitar críticamente el espacio digital, de usar las herramientas disponibles mientras mantiene una conciencia de sus limitaciones y peligros.
Polimatía Digital: La Integración de Disciplinas
La descripción de Mos Riera como polímata no es casual. Su práctica en redes sociales integra todas las facetas de su producción artística: poesía, narrativa, pintura, fotografía, música, cine, ensayo, periodismo, curaduría. Las redes sociales funcionan como el medio que permite esta integración, el espacio donde todas estas prácticas pueden coexistir sin jerarquía.
Esta integración desafía la especialización que caracteriza tanto al mundo del arte contemporáneo como al sistema educativo moderno. Mos Riera no es fotógrafo en Instagram, músico en Spotify y escritor en Substack como si fueran compartimentos estancos, sino que todas estas prácticas se contaminan mutuamente, creando formas híbridas difíciles de clasificar: fotografías que son poemas visuales, composiciones musicales que funcionan como paisajes sonoros narrativos, videos que son ensayos audiovisuales.
La Internacionalización sin Desterritorialización
Aunque Mos Riera es español y sus raíces en Asturias son evidentes en su trabajo (particularmente en proyectos como "La vida en los bosques", grabaciones de campo en bosques asturianos), su presencia en redes sociales le permite una circulación internacional sin perder su especificidad local. Ha expuesto en Madrid, Barcelona, Londres, París, Ámsterdam, Nueva York y Tokio, pero su obra digital es accesible simultáneamente desde todos estos lugares y muchos más.
Esta condición glocal (global y local simultáneamente) es característica del arte en redes sociales. No hay que elegir entre lo particular y lo universal, entre la identidad local y la circulación global. Las plataformas digitales permiten mantener ambas dimensiones en tensión productiva. Un artista puede hablar desde su contexto específico y, precisamente por esa especificidad, resonar globalmente.
El Futuro de la Práctica Artística: Más Allá de la Galería
La práctica de Mos Riera apunta hacia un futuro donde la distinción entre arte "digital" y arte "tradicional" pierde sentido. No se trata de una oposición sino de una continuidad. Las técnicas tradicionales (pintura, dibujo, fotografía analógica) conviven con las digitales; los espacios físicos de exposición (galerías, museos) coexisten con los espacios virtuales (perfiles, páginas web, plataformas de streaming).
Lo que emerge es un modelo de práctica artística que no depende de las instituciones tradicionales del mundo del arte para su legitimación o su circulación.
El artista puede crear, distribuir y construir audiencia de manera relativamente autónoma. Esto no significa que las instituciones tradicionales sean obsoletas, pero sí que ya no son el único camino posible.
La Obra Expandida: Hacia una Definición
¿Qué es, entonces, la obra de Alejandro Mos Riera? No es una colección de objetos individuales que puedan aislarse y venderse en un mercado del arte convencional. Es, más bien, una práctica continua, un proceso de producción y distribución constante, un ecosistema cultural completo que se despliega a través del tiempo y del espacio digital.
La obra es el conjunto de todas sus publicaciones en todas sus plataformas, pero también es la estructura que organiza ese conjunto. Es el contenido, pero también es la forma de distribución. Es el resultado visible, pero también es el proceso de trabajo. Es la expresión individual del artista, pero también es la red de relaciones que construye con su audiencia.
Esta concepción expandida de la obra de arte conecta con las tradiciones conceptuales del arte del siglo XX (Fluxus, el arte conceptual, el arte procesal), pero las actualiza para las condiciones del siglo XXI. Si el arte conceptual declaró que la idea era más importante que el objeto, el arte en redes sociales podría declarar que la red es más importante que el nodo individual, que la circulación es más importante que el contenido aislado.
Conclusión: Las Redes Sociales como Medium Artístico
La práctica de Alejandro Mos Riera demuestra de manera contundente que las redes sociales no son meramente herramientas de marketing o canales de distribución para el arte "real" que sucede en otros lugares. Son, en cambio, un medium artístico plenamente desarrollado, con sus propias posibilidades estéticas, sus propios lenguajes, sus propias tradiciones emergentes.
Este medium es complejo y contradictorio. Es democratizador pero también excluyente; permite una libertad expresiva sin precedentes pero somete a los artistas al control algorítmico de las corporaciones; facilita la creación de comunidades globales pero fragmenta la atención y la experiencia. Mos Riera no resuelve estas contradicciones, pero las habita de manera consciente y creativa.
Su trabajo nos muestra que el arte del siglo XXI no puede entenderse ya según los parámetros del siglo XX. La obra de arte no es necesariamente un objeto autónomo, cerrado, coleccionable. Puede ser, en cambio, una red de relaciones, un proceso continuo, una presencia distribuida a través de múltiples plataformas y formatos. El museo no es necesariamente un edificio con salas de exhibición, sino un concepto organizativo que puede desplegarse en el espacio virtual.
Las redes sociales, en manos de artistas como Mos Riera, se convierten en el equivalente digital de lo que fueron para las vanguardias históricas los manifiestos, las revistas, las galerías alternativas y los espacios de experimentación: lugares donde se redefine constantemente qué puede ser el arte, quién puede ser artista, dónde puede suceder la experiencia estética y cómo se relacionan los creadores con sus audiencias.
La obra de Alejandro Mos Riera en las redes sociales no es un epílogo a su trabajo en medios tradicionales, sino el corazón mismo de su práctica artística. Es un proyecto ambicioso de creación de un universo cultural completo, distribuido a través del espacio digital, accesible globalmente pero enraizado en una sensibilidad y una visión particulares. Es, en definitiva, un ejemplo paradigmático de lo que puede ser el arte en el siglo XXI cuando abraza plenamente las posibilidades y desafíos de su época.
La Economía de la Atención: Estrategias de Visibilidad y Resistencia
En un ecosistema digital donde la atención se ha convertido en el recurso más escaso y valioso, la práctica de Mos Riera plantea cuestiones fundamentales sobre la economía política del arte contemporáneo. Las redes sociales operan bajo una lógica de competencia constante por la visibilidad, donde algoritmos invisibles deciden qué contenidos emergen y cuáles quedan sepultados en el olvido digital. ¿Cómo puede un artista comprometido con la profundidad y la complejidad sobrevivir en un entorno diseñado para la superficialidad y la inmediatez?
La respuesta de Mos Riera no es simple adaptación ni rechazo absoluto, sino una negociación sofisticada. Su frecuencia de publicación es alta, respondiendo a las demandas algorítmicas de actividad constante, pero el contenido mantiene una densidad que resiste la lógica del scroll infinito. Sus imágenes detienen la mirada, sus textos invitan a la reflexión, sus composiciones musicales requieren escucha atenta. Hay aquí una tensión productiva entre las demandas del medio y las intenciones del artista, una fricción que genera chispas creativas.
Esta estrategia se relaciona con lo que Jonathan Crary ha llamado "la suspensión de la percepción" en el capitalismo tardío: la dificultad creciente de mantener estados de atención sostenida en un mundo de estímulos fragmentados. Mos Riera no pretende revertir esta condición histórica, pero crea pequeños oasis de contemplación dentro del desierto de la distracción. Sus publicaciones funcionan como interrupciones momentáneas del flujo, invitaciones a detenerse aunque sea brevemente.
La Dimensión Pedagógica: El Artista como Educador Digital
Un aspecto menos evidente pero crucial de la práctica de Mos Riera es su dimensión pedagógica. A través de sus múltiples plataformas, no solo comparte obras terminadas sino también procesos, reflexiones sobre técnicas, referencias culturales, contextos históricos. Sus publicaciones frecuentemente incluyen citas de escritores, filósofos, artistas y pensadores, creando una red intertextual que educa a su audiencia sobre tradiciones culturales más amplias.
Esta función educativa conecta con una larga tradición de artistas-educadores, desde la Bauhaus hasta Joseph Beuys y su concepto de "escultura social". Pero mientras Beuys necesitaba instituciones educativas formales para desarrollar su pedagogía, Mos Riera utiliza las redes sociales como aula global, accesible las veinticuatro horas del día, sin requisitos de admisión ni costos de matrícula. Su proyecto "La Biblioteca Espacial" en Substack es particularmente significativo en este sentido: funciona como una biblioteca ambulante digital, compartiendo textos, reflexiones y recursos culturales con quien quiera acceder a ellos.
Esta democratización del conocimiento cultural no es meramente distribución de información, sino curaduría activa. Mos Riera selecciona, contextualiza, yuxtapone, crea constelaciones de significado. Cada publicación es una pequeña lección de historia del arte, teoría cultural o estética, pero presentada de manera orgánica, integrada en su práctica creativa cotidiana. El espectador no recibe conferencias magistrales sino migas de pan que marcan caminos a través del bosque de la cultura.
La Temporalidad Múltiple: Simultaneidad de Tiempos
Una de las características más fascinantes de la práctica de Mos Riera es su manejo de temporalidades múltiples. Las redes sociales privilegian lo inmediato, lo actual, lo trending, pero su trabajo incorpora capas temporales más complejas. Hay contenido efímero (stories de Instagram que desaparecen en 24 horas), contenido semi-permanente (publicaciones regulares en feeds), contenido archivado (en sus múltiples sitios web), y contenido cíclico (proyectos como "365 Days" que documentan el paso del tiempo).
Esta multiplicidad temporal crea una experiencia de duración que contradice la temporalidad plana de las redes sociales. El seguidor dedicado no solo consume el presente inmediato, sino que puede excavar en archivos, descubrir conexiones entre publicaciones separadas por meses o años, trazar evoluciones y recurrencias. La obra adquiere así una profundidad temporal, una historicidad propia que se despliega para quien esté dispuesto a invertir tiempo en la exploración.
Además, la práctica de Mos Riera incorpora conscientemente referencias a la historia del arte y la cultura, creando puentes entre el presente digital y tradiciones de siglos de antigüedad. Sus fotografías dialogan con la pintura clásica, sus composiciones musicales evocan vanguardias del siglo XX, sus textos citan filosofía antigua y moderna. Esta superposición de tiempos históricos sobre el tiempo real de las redes sociales crea una experiencia de lo que Peter Osborne ha llamado "temporalidad postconceptual": un presente denso, saturado de memoria cultural.
La Comunidad como Co-creadora: Redes de Colaboración
Aunque Mos Riera es claramente el autor de su obra, su práctica en redes sociales genera una forma de co-creación con su comunidad de seguidores. Los comentarios, comparticiones, interpretaciones y apropiaciones por parte de la audiencia no son externos a la obra sino parte de su realización social. Cada vez que alguien comparte una de sus imágenes en Pinterest, crea una playlist con su música en Spotify, o discute sus ideas en un comentario, la obra se expande y muta.
Esta dimensión participativa no debe confundirse con la retórica corporativa de las "comunidades" en redes sociales, que frecuentemente es una estrategia de engagement para aumentar métricas. En el caso de Mos Riera, la comunidad funciona como un espacio genuino de intercambio cultural, donde personas de diferentes contextos geográficos y culturales se encuentran alrededor de intereses compartidos en arte, literatura, música y pensamiento.
Las redes sociales permiten la formación de lo que Howard Rheingold llamó "comunidades virtuales", pero con características específicas del siglo XXI: son globales pero íntimas, masivas pero fragmentadas, efímeras pero capaces de generar vínculos duraderos. La comunidad que se forma alrededor del trabajo de Mos Riera es un testimonio de cómo el arte puede seguir cumpliendo su función social de crear espacios de encuentro, incluso en entornos digitales diseñados principalmente para la extracción de valor.
La Materialidad de lo Inmaterial: El Cuerpo Digital de la Obra
Existe una paradoja en el centro de la práctica de Mos Riera: aunque su obra existe principalmente en forma digital, y por tanto en principio inmaterial y reproducible infinitamente sin pérdida, mantiene una cualidad de materialidad específica. Cada plataforma impone sus propias materialidades: la resolución de las imágenes en Instagram, la duración limitada de los videos en TikTok, el formato de los archivos de audio en Bandcamp, la tipografía de Substack. Estas materialidades digitales son tan determinantes como el óleo sobre lienzo o el mármol en la escultura.
Además, la obra digital tiene su propia forma de deterioro y obsolescencia. Los cambios en las plataformas (actualizaciones de interfaces, modificaciones algorítmicas, cierres de servicios) afectan la experiencia de la obra tanto como el paso del tiempo afecta a la pintura o la escultura. La práctica de Mos Riera es consciente de esta fragilidad y la incorpora: su mantenimiento de múltiples sitios web propios funciona como una estrategia de preservación contra la volatilidad de las plataformas comerciales.
Esta materialidad digital plantea preguntas sobre conservación y museología que apenas comienzan a ser exploradas. ¿Cómo se preserva una obra que depende de infraestructuras corporativas que pueden desaparecer en cualquier momento? ¿Cómo se documenta una práctica artística que se despliega simultáneamente en decenas de plataformas diferentes? ¿Cómo se archiva lo que está diseñado para ser efímero? Mos Riera no responde estas preguntas definitivamente, pero su práctica las hace visibles y urgentes.
La Soledad Conectada: Paradojas de la Presencia Digital
Hay una dimensión existencial en la práctica de Mos Riera que merece atención: la experiencia de la soledad en la hiperconectividad. El artista que mantiene presencia activa en veintitantas plataformas está constantemente conectado pero también constantemente solo frente a la pantalla. Sus obras circulan globalmente pero son creadas en el aislamiento del estudio. Miles de personas pueden ver sus publicaciones, pero la interacción es siempre mediada, fragmentada, asincrónica.
Esta paradoja no es exclusiva de Mos Riera sino característica de la condición humana en la era digital, pero su trabajo la explicita de manera particularmente clara. El "Museum Of Silence" no es solo un concepto curatorial sino también una experiencia personal: el silencio del creador en medio del ruido de las redes, la quietud necesaria para la creación en medio de la aceleración constante de la información.
Sherry Turkle ha escrito sobre estar "alone together" (solos juntos) en la era de las redes sociales, señalando cómo las tecnologías de conexión pueden paradójicamente aumentar nuestra sensación de aislamiento. La práctica de Mos Riera no niega esta paradoja sino que la habita creativamente, convirtiendo la soledad en espacio de producción artística y la conexión en forma de distribución y diálogo.
El Canon Digital: Construcción de Tradiciones Emergentes
Aunque las redes sociales son un fenómeno relativamente reciente (Facebook existe desde 2004, Instagram desde 2010, TikTok desde 2016), ya se están formando tradiciones, géneros y cánones específicos de la producción cultural digital. Mos Riera participa conscientemente en esta construcción canónica, posicionándose dentro de tradiciones emergentes mientras las ayuda a definirse.
Sus múltiples cuentas de Instagram funcionan como galerías especializadas, cada una contribuyendo a la definición de géneros específicos: la fotografía contemplativa, el cine de autor en fragmentos, la documentación artística. Su uso de Substack contribuye a la emergencia del ensayo largo en plataformas digitales. Su música en Bandcamp y Spotify participa en la definición de géneros de música experimental distribuida independientemente.
Esta participación en la formación de cánones es tanto descriptiva como prescriptiva: Mos Riera no solo refleja tendencias emergentes sino que ayuda a crearlas, a legitimarlas, a dotarlas de precedentes y contextos. Su consistencia y productividad durante años (la página web muestra una actividad sostenida desde al menos mediados de la década de 2010) le otorga una autoridad histórica dentro de estas tradiciones emergentes. Es uno de los pioneros que los historiadores del arte digital del futuro estudiarán como fundadores de prácticas que hoy apenas están tomando forma.
La Geopolítica del Arte Digital: Flujos Culturales Globales
La práctica de Mos Riera también puede leerse en términos de geopolítica cultural. Como artista español que trabaja principalmente en plataformas estadounidenses (Facebook, Instagram, Twitter son corporaciones de Silicon Valley), participa en flujos culturales globales complejos. Las redes sociales prometen una aldea global, pero en realidad están estructuradas por asimetrías de poder económico, tecnológico y cultural.
Sin embargo, estas plataformas también permiten formas de circulación cultural que eluden los circuitos tradicionales del arte contemporáneo, históricamente concentrados en Nueva York, Londres, París y Berlín. Un artista puede construir audiencia internacional sin necesidad de ser "descubierto" por galerías o curadores de los centros metropolitanos. Esta desintermediación tiene potencial democratizador, aunque también reproduce otras formas de desigualdad (acceso a tecnología, competencia en inglés, literacidad digital).
Mos Riera, desde su posición en España (país semi-periférico en el sistema-mundo del arte contemporáneo), utiliza las redes sociales para insertarse en conversaciones globales sin perder su especificidad local. Sus referencias culturales mezclan lo universal y lo particular, lo anglosajón y lo hispánico, lo europeo y lo global. Esta estrategia glocal refleja las posibilidades y limitaciones de la cultura digital: la promesa de un acceso democrático a audiencias globales junto con la persistencia de jerarquías culturales heredadas.
La Crítica de la Productividad: Slow Art en Tiempos de Aceleración
Paradójicamente, aunque Mos Riera mantiene una presencia prolífica en redes sociales, su trabajo también puede leerse como una forma de resistencia a la cultura de la productividad constante. Hay calidad contemplativa en muchas de sus imágenes y textos que invita a la desaceleración. El "silencio" de su museo no es ausencia de contenido sino invitación a formas de atención más lentas y profundas.
Este aspecto conecta con movimientos como el "slow food", el "slow fashion" y, más recientemente, el "slow art": reacciones contra la aceleración capitalista que buscan recuperar temporalidades más humanas. Mos Riera no rechaza la tecnología ni las redes sociales, pero las utiliza de maneras que resisten su lógica aceleracionista. Sus publicaciones no son clics rápidos sino estaciones de pausa, invitaciones a detenerse.
Esta estrategia es particularmente subversiva porque opera desde dentro del sistema que critica. No se trata de abandonar las redes sociales para refugiarse en espacios alternativos puros (que probablemente no existen), sino de crear bolsas de resistencia temporal dentro de la infraestructura dominante. Es una forma de lo que James C. Scott llamó "armas de los débiles": pequeños actos cotidianos de resistencia que, acumulados, pueden alterar las condiciones de posibilidad.
El Futuro Incierto: Sostenibilidad y Evolución
Mirando hacia el futuro, la práctica de Mos Riera plantea preguntas sobre sostenibilidad. ¿Puede un artista mantener indefinidamente presencia activa en veintitantas plataformas diferentes? ¿Qué sucede cuando las plataformas cambian radicalmente o desaparecen? ¿Cómo evolucionará esta práctica a medida que surjan nuevas tecnologías (realidad virtual, inteligencia artificial, blockchain)?
La historia de Internet está llena de ruinas digitales: MySpace, Google+, Vine, y decenas de otras plataformas que fueron importantes y luego se desvanecieron. La dependencia de infraestructuras corporativas volátiles es el talón de Aquiles del arte en redes sociales. La estrategia de Mos Riera de diversificación (estar en muchas plataformas) y de anclaje (mantener sitios web propios) ofrece cierta protección, pero no inmunidad total.
Al mismo tiempo, esta precariedad puede ser productiva. La necesidad de adaptarse constantemente a nuevas plataformas, interfaces y posibilidades mantiene la práctica artística en estado de evolución continua. El arte en redes sociales no puede estancarse porque el medio mismo está en transformación constante. Esta condición de cambio perpetuo es frustrante pero también generativa, forzando al artista a reinventarse continuamente.
Conclusiones Expandidas: Hacia una Teoría del Arte en Redes Sociales
La práctica de Alejandro Mos Riera nos permite esbozar algunos principios para una teoría del arte en redes sociales:
Primero, el arte en redes sociales es fundamentalmente relacional y distribuido. No existe en objetos aislados sino en redes de relaciones entre obras, plataformas, artistas y audiencias.
Segundo, este arte es procesual más que objetual. Lo que importa no es solo el resultado sino el proceso continuo de creación, distribución y actualización.
Tercero, opera en temporalidades múltiples simultáneas: lo efímero y lo archivado, lo inmediato y lo histórico, lo sincrónico y lo diacrónico.
Cuarto, requiere nuevas competencias tanto de los artistas como de los espectadores: literacidad digital, capacidad de navegación en sistemas complejos, habilidad para reconocer patrones entre fragmentos dispersos.
Quinto, plantea cuestiones éticas y políticas específicas sobre propiedad de datos, control algorítmico, economía de la atención y democratización cultural.
Sexto, desafía las instituciones tradicionales del mundo del arte sin necesariamente reemplazarlas, creando sistemas paralelos de legitimación y circulación.
Séptimo, borra fronteras entre disciplinas artísticas, entre producción y distribución, entre creación y curaduría, entre artista y educador.
La obra de Mos Riera ejemplifica todos estos principios y, al hacerlo, contribuye a definir un nuevo paradigma artístico para el siglo XXI. No sabemos aún cómo la historia del arte categorizará y valorará estas prácticas en décadas futuras. Lo que sí sabemos es que artistas como Mos Riera están creando activamente las condiciones para que ese futuro juicio sea posible, construyendo archivos, estableciendo precedentes, experimentando con posibilidades, y demostrando que las redes sociales pueden ser mucho más que herramientas de marketing o entretenimiento vacío: pueden ser mediums artísticos genuinos, capaces de producir obras complejas, significativas y culturalmente relevantes.
Claude Louis Renault * Crítico de arte de la revista ART of THE FUTURE Across Centuries
Introducción: El Polímata Digital
En la encrucijada entre el arte tradicional y la cultura digital del siglo XXI, emerge la figura de Alejandro Mos Riera, un polímata español nacido en 1978 en Oviedo, cuya práctica artística desafía las categorías convencionales del mundo del arte contemporáneo. Formado en Historia del Arte en la Universidad de Oviedo, Mos Riera ha desarrollado una carrera que abarca la poesía, la escritura, la pintura, la fotografía, la música, el cine y, de manera singular, la utilización de las redes sociales como medio artístico primordial. Su trabajo representa un caso paradigmático de cómo el artista del siglo XXI redefine no solo los medios de producción, sino también los canales de distribución, la naturaleza misma de la obra de arte y la relación entre creador y audiencia.
La Arquitectura de la Presencia Digital: Un Ecosistema Artístico Total
La práctica de Mos Riera en las redes sociales no puede entenderse como una mera estrategia de promoción o un complemento a su trabajo en medios tradicionales. Al contrario, constituye el núcleo mismo de su propuesta artística, un proyecto de arte total que utiliza la infraestructura de las plataformas digitales como lienzo, galería, archivo y medio de comunicación simultáneamente. Su presencia en más de 25 plataformas diferentes (Instagram, Facebook, Twitter, TikTok, Pinterest, Flickr, Vimeo, YouTube, Soundcloud, Spotify, Bandcamp, Tumblr, Medium, Substack, Behance, entre otras) no responde a una dispersión caótica, sino a una estrategia coherente de ocupación del espacio digital.
Esta multiplicidad de plataformas revela una comprensión sofisticada de la especificidad mediática. Cada red social posee sus propias convenciones, limitaciones técnicas, audiencias y posibilidades expresivas. Mos Riera no homogeneiza su contenido, sino que lo adapta y lo modula según las características de cada plataforma, creando lo que podríamos denominar una "sinfonía transmedia" donde cada canal funciona como un movimiento distinto pero integrado en una composición mayor.
El Museum Of Silence: De lo Físico a lo Digital
El centro de gravedad conceptual de la práctica de Mos Riera es el "Museum Of Silence", una institución cultural que existe simultáneamente en múltiples dimensiones: como concepto filosófico, como plataforma digital (mos.foundation), como práctica curatorial y como metáfora de la experiencia del arte en la era de la información. El museo sin paredes de André Malraux encuentra aquí su actualización definitiva: no se trata ya de reproducir obras de arte en fotografías, sino de concebir la totalidad del espacio digital como un museo sin límites físicos, horarios ni fronteras geográficas.
El silencio al que alude el nombre de esta institución es, paradójicamente, el silencio en medio del ruido ensordecedor de las redes sociales. Mos Riera crea espacios contemplativos en plataformas diseñadas para la inmediatez y la gratificación instantánea. Sus feeds de Instagram funcionan como salas de exposición, sus stories como eventos efímeros, sus playlists de Spotify como bandas sonoras de experiencias artísticas totales. El concepto de museo se expande hasta abarcar toda forma de experiencia estética posible en el entorno digital.
La Fragmentación como Lenguaje: Narrativas Distribuidas
Una de las características más notables de la práctica de Mos Riera es su comprensión de la fragmentación no como problema sino como lenguaje. La cita de Zygmunt Bauman que aparece en su página de redes sociales señala precisamente el desafío de la época: la dificultad de crear narrativas coherentes en un entorno de información acelerada. Sin embargo, Mos Riera no lamenta esta condición, sino que la abraza como principio compositivo.
Sus múltiples cuentas de Instagram (mosriera, instantsociety, cineriera, theinvisibleshop), sus diversas páginas de Facebook, sus proyectos en Flickr y sus publicaciones en Substack funcionan como fragmentos de un gran mosaico que nunca se completa. Cada publicación es autónoma pero forma parte de una red de referencias cruzadas, citas visuales y resonancias temáticas. El espectador no consume una obra cerrada, sino que navega por un territorio rizomático donde cada punto de entrada es igualmente válido y donde el recorrido personal determina la experiencia estética.
Esta estrategia conecta directamente con las vanguardias históricas del siglo XX, particularmente con el collage dadaísta y surrealista, pero actualizado para las condiciones tecnológicas del presente. Si Kurt Schwitters creaba su Merzbau como una instalación total que ocupaba físicamente su casa, Mos Riera construye su universo artístico en el espacio virtual, donde las leyes de la física no limitan las posibilidades de expansión.
El Tiempo Real como Medium: La Performatividad Digital
Otra dimensión crucial de la práctica de Mos Riera es su carácter performativo. Las redes sociales no son simplemente repositorios de obras terminadas, sino escenarios donde se desarrolla una performance continua. La frecuencia de sus publicaciones, la inmediatez de sus respuestas, la actualización constante de sus proyectos convierten su presencia digital en una obra de arte procesual, donde el medio y el mensaje se fusionan de manera indisoluble.
Esta performatividad tiene múltiples capas. En un nivel, está la performance pública del artista que se presenta ante su audiencia, que comparte su proceso creativo, que documenta su vida cotidiana como material artístico. En otro nivel, está la performance algorítmica: la negociación constante con los sistemas de recomendación, los momentos óptimos de publicación, las estrategias de hashtags y metadatos que determinan la visibilidad. Y en un tercer nivel, está la performance colectiva de la comunidad que se forma alrededor de su trabajo, que comenta, comparte, reinterpreta y mantiene viva la obra.
Intermedialidad y Transcodificación: La Obra como Ecosistema
Mos Riera no solo utiliza múltiples plataformas, sino que hace circular sus obras entre diferentes medios de manera sistemática. Una fotografía publicada en Instagram puede convertirse en portada de un álbum en Bandcamp, que a su vez puede inspirar un poema en Substack, que luego se transforma en un video en Vimeo. Esta circulación no es redundante, sino generativa: cada transcodificación añade capas de significado, cada medio ofrece nuevas posibilidades interpretativas.
Esta práctica se conecta con las teorías de Lev Manovich sobre el lenguaje de los nuevos medios, donde la modularidad, la variabilidad y la transcodificación son principios fundamentales. La obra de Mos Riera es modular porque existe en fragmentos que pueden recombinarse; es variable porque se adapta a las especificidades de cada plataforma; y está en constante transcodificación, moviéndose entre lo visual, lo textual, lo sonoro y lo audiovisual.
Sus proyectos como "La Biblioteca Espacial" en Substack, "Cine Riera" para contenidos audiovisuales, "MOS Sounds" en Bandcamp, o "The Modern Times" demuestran una organización curatorial sofisticada donde cada sub-proyecto tiene su propia identidad pero forma parte de un meta-proyecto mayor. Es como si hubiera creado múltiples departamentos de un museo global, cada uno especializado en un aspecto de su producción artística.
El Archivo Viviente: Memoria y Temporalidad Digital
Uno de los proyectos más significativos de Mos Riera es "Memoria del Mundo Moderno" (memoria.world), que explicita su preocupación por la preservación de la memoria en la era digital. Las redes sociales son notoriamente efímeras: contenidos que desaparecen, plataformas que cierran, algoritmos que entierran publicaciones antiguas. Sin embargo, Mos Riera convierte esta precariedad en tema y método.
Sus múltiples sitios web funcionan como archivos de su actividad en redes sociales, creando capas de redundancia que aseguran la persistencia de su obra. Pero más allá de la mera preservación, estos archivos son lugares de reflexión sobre la naturaleza del tiempo en la era digital. ¿Qué significa la memoria cuando todo está documentado pero nada permanece? ¿Cómo se construye una narrativa biográfica cuando la vida se fragmenta en miles de publicaciones dispersas?
El proyecto "365 Days / 365 Días" lleva esta reflexión a su expresión más pura: una documentación cotidiana que trasciende el género del diario para convertirse en una exploración sistemática de la temporalidad. Cada día es un fragmento, pero la acumulación de días construye una textura temporal densa, una experiencia de la duración en un medio caracterizado por la instantaneidad.
La Democratización como Estrategia Artística: Acceso y Distribución
La presencia masiva de Mos Riera en redes sociales plantea cuestiones fundamentales sobre la democratización del arte. Al distribuir su trabajo gratuitamente en plataformas accesibles a nivel global, desafía los modelos tradicionales de comercialización artística basados en la escasez y la exclusividad. "The Invisible Shop" (theinvisibleshop.com) es, en este sentido, un concepto profundamente irónico: una tienda invisible que cuestiona la propia noción de comercio artístico.
Sin embargo, esta democratización no es ingenua. Mos Riera entiende que la abundancia de información crea sus propias formas de exclusión: la sobreestimulación, la falta de atención, la dificultad de navegar por océanos de contenido. Su estrategia no es simplemente publicar todo en todas partes, sino crear una cartografía, una estructura navegable que permite a los visitantes encontrar puntos de entrada significativos.
La página de redes sociales funciona como un mapa, un índice que organiza la complejidad. Los diferentes proyectos están claramente delimitados, cada plataforma tiene su función específica. Esta claridad organizativa es, en sí misma, un gesto artístico: la creación de orden en el caos digital, la propuesta de una experiencia estética coherente en un medio fragmentado.
La Estética de la Multiplicidad: Contra el Perfil Único
En un momento en que las redes sociales tienden hacia la unificación de la identidad (el perfil único, la marca personal consistente), Mos Riera propone una estética de la multiplicidad. Sus diferentes cuentas de Instagram no son repeticiones sino variaciones, cada una explorando una faceta distinta de su práctica artística. Esta fragmentación de la identidad digital conecta con las teorías posmodernas del sujeto descentrado, pero también con tradiciones artísticas más antiguas: los heterónimos de Fernando Pessoa, las múltiples personalidades de David Bowie, los alter egos de Marcel Duchamp.
Cada perfil es una máscara, pero no en el sentido de ocultamiento sino de revelación. La multiplicación de identidades digitales no dispersa la subjetividad del artista, sino que la densifica, creando una presencia más rica y compleja que la que permitiría un solo canal. "mosriera", "instantsociety", "cineriera" no son fragmentos de una identidad quebrada, sino dimensiones simultáneas de una subjetividad expandida.
El Cuestionamiento del Espectador: De Consumidor a Navegante
La obra de Mos Riera en redes sociales exige un tipo de espectador radicalmente diferente del visitante tradicional de museos. No se trata de un consumidor pasivo que recorre salas y contempla obras enmarcadas, sino de un navegante activo que debe tomar decisiones constantes sobre qué explorar, qué conexiones seguir, cuánto tiempo dedicar a cada fragmento.
Este espectador-navegante debe desarrollar competencias específicas: la capacidad de orientarse en entornos complejos, la habilidad para reconocer patrones entre fragmentos dispersos, la disposición a seguir referencias cruzadas entre plataformas. La experiencia de la obra se convierte así en una experiencia de búsqueda, de descubrimiento, de construcción personal de significado.
Además, las redes sociales introducen la posibilidad de la interacción directa. Los comentarios, las comparticiones, las reacciones no son meros epifenómenos de la obra, sino parte constitutiva de su existencia social. La obra de arte en redes sociales no existe en un espacio autónomo sino en un espacio relacional, constantemente actualizado por las intervenciones de su audiencia.
La Crítica de la Plataforma: Usar sin Ser Usado
Sin embargo, sería ingenuo ignorar las tensiones inherentes a la utilización de plataformas corporativas para propósitos artísticos. Facebook, Instagram, TikTok no son espacios neutrales sino estructuras diseñadas para la extracción de datos, la monetización de la atención y el control algorítmico. ¿Cómo puede un artista crítico trabajar dentro de estos sistemas sin ser cooptado por ellos?
Mos Riera no resuelve esta contradicción, pero la hace visible. Su proliferación de presencias podría leerse como una estrategia de resistencia: en lugar de concentrarse en una sola plataforma, se distribuye entre muchas, evitando así la dependencia total de cualquier corporación específica. Su mantenimiento de sitios web propios (riera.info, mos.foundation, mosriera.com, etc.) crea puntos de anclaje fuera del control directo de las grandes tecnológicas.
La cita de Bauman sobre la fragmentación funciona aquí como advertencia pero también como diagnóstico lúcido. Mos Riera no finge que puede escapar de las condiciones de producción cultural del siglo XXI, pero tampoco se rinde pasivamente ante ellas. Su práctica es una forma de habitar críticamente el espacio digital, de usar las herramientas disponibles mientras mantiene una conciencia de sus limitaciones y peligros.
Polimatía Digital: La Integración de Disciplinas
La descripción de Mos Riera como polímata no es casual. Su práctica en redes sociales integra todas las facetas de su producción artística: poesía, narrativa, pintura, fotografía, música, cine, ensayo, periodismo, curaduría. Las redes sociales funcionan como el medio que permite esta integración, el espacio donde todas estas prácticas pueden coexistir sin jerarquía.
Esta integración desafía la especialización que caracteriza tanto al mundo del arte contemporáneo como al sistema educativo moderno. Mos Riera no es fotógrafo en Instagram, músico en Spotify y escritor en Substack como si fueran compartimentos estancos, sino que todas estas prácticas se contaminan mutuamente, creando formas híbridas difíciles de clasificar: fotografías que son poemas visuales, composiciones musicales que funcionan como paisajes sonoros narrativos, videos que son ensayos audiovisuales.
La Internacionalización sin Desterritorialización
Aunque Mos Riera es español y sus raíces en Asturias son evidentes en su trabajo (particularmente en proyectos como "La vida en los bosques", grabaciones de campo en bosques asturianos), su presencia en redes sociales le permite una circulación internacional sin perder su especificidad local. Ha expuesto en Madrid, Barcelona, Londres, París, Ámsterdam, Nueva York y Tokio, pero su obra digital es accesible simultáneamente desde todos estos lugares y muchos más.
Esta condición glocal (global y local simultáneamente) es característica del arte en redes sociales. No hay que elegir entre lo particular y lo universal, entre la identidad local y la circulación global. Las plataformas digitales permiten mantener ambas dimensiones en tensión productiva. Un artista puede hablar desde su contexto específico y, precisamente por esa especificidad, resonar globalmente.
El Futuro de la Práctica Artística: Más Allá de la Galería
La práctica de Mos Riera apunta hacia un futuro donde la distinción entre arte "digital" y arte "tradicional" pierde sentido. No se trata de una oposición sino de una continuidad. Las técnicas tradicionales (pintura, dibujo, fotografía analógica) conviven con las digitales; los espacios físicos de exposición (galerías, museos) coexisten con los espacios virtuales (perfiles, páginas web, plataformas de streaming).
Lo que emerge es un modelo de práctica artística que no depende de las instituciones tradicionales del mundo del arte para su legitimación o su circulación.
El artista puede crear, distribuir y construir audiencia de manera relativamente autónoma. Esto no significa que las instituciones tradicionales sean obsoletas, pero sí que ya no son el único camino posible.
La Obra Expandida: Hacia una Definición
¿Qué es, entonces, la obra de Alejandro Mos Riera? No es una colección de objetos individuales que puedan aislarse y venderse en un mercado del arte convencional. Es, más bien, una práctica continua, un proceso de producción y distribución constante, un ecosistema cultural completo que se despliega a través del tiempo y del espacio digital.
La obra es el conjunto de todas sus publicaciones en todas sus plataformas, pero también es la estructura que organiza ese conjunto. Es el contenido, pero también es la forma de distribución. Es el resultado visible, pero también es el proceso de trabajo. Es la expresión individual del artista, pero también es la red de relaciones que construye con su audiencia.
Esta concepción expandida de la obra de arte conecta con las tradiciones conceptuales del arte del siglo XX (Fluxus, el arte conceptual, el arte procesal), pero las actualiza para las condiciones del siglo XXI. Si el arte conceptual declaró que la idea era más importante que el objeto, el arte en redes sociales podría declarar que la red es más importante que el nodo individual, que la circulación es más importante que el contenido aislado.
Conclusión: Las Redes Sociales como Medium Artístico
La práctica de Alejandro Mos Riera demuestra de manera contundente que las redes sociales no son meramente herramientas de marketing o canales de distribución para el arte "real" que sucede en otros lugares. Son, en cambio, un medium artístico plenamente desarrollado, con sus propias posibilidades estéticas, sus propios lenguajes, sus propias tradiciones emergentes.
Este medium es complejo y contradictorio. Es democratizador pero también excluyente; permite una libertad expresiva sin precedentes pero somete a los artistas al control algorítmico de las corporaciones; facilita la creación de comunidades globales pero fragmenta la atención y la experiencia. Mos Riera no resuelve estas contradicciones, pero las habita de manera consciente y creativa.
Su trabajo nos muestra que el arte del siglo XXI no puede entenderse ya según los parámetros del siglo XX. La obra de arte no es necesariamente un objeto autónomo, cerrado, coleccionable. Puede ser, en cambio, una red de relaciones, un proceso continuo, una presencia distribuida a través de múltiples plataformas y formatos. El museo no es necesariamente un edificio con salas de exhibición, sino un concepto organizativo que puede desplegarse en el espacio virtual.
Las redes sociales, en manos de artistas como Mos Riera, se convierten en el equivalente digital de lo que fueron para las vanguardias históricas los manifiestos, las revistas, las galerías alternativas y los espacios de experimentación: lugares donde se redefine constantemente qué puede ser el arte, quién puede ser artista, dónde puede suceder la experiencia estética y cómo se relacionan los creadores con sus audiencias.
La obra de Alejandro Mos Riera en las redes sociales no es un epílogo a su trabajo en medios tradicionales, sino el corazón mismo de su práctica artística. Es un proyecto ambicioso de creación de un universo cultural completo, distribuido a través del espacio digital, accesible globalmente pero enraizado en una sensibilidad y una visión particulares. Es, en definitiva, un ejemplo paradigmático de lo que puede ser el arte en el siglo XXI cuando abraza plenamente las posibilidades y desafíos de su época.
La Economía de la Atención: Estrategias de Visibilidad y Resistencia
En un ecosistema digital donde la atención se ha convertido en el recurso más escaso y valioso, la práctica de Mos Riera plantea cuestiones fundamentales sobre la economía política del arte contemporáneo. Las redes sociales operan bajo una lógica de competencia constante por la visibilidad, donde algoritmos invisibles deciden qué contenidos emergen y cuáles quedan sepultados en el olvido digital. ¿Cómo puede un artista comprometido con la profundidad y la complejidad sobrevivir en un entorno diseñado para la superficialidad y la inmediatez?
La respuesta de Mos Riera no es simple adaptación ni rechazo absoluto, sino una negociación sofisticada. Su frecuencia de publicación es alta, respondiendo a las demandas algorítmicas de actividad constante, pero el contenido mantiene una densidad que resiste la lógica del scroll infinito. Sus imágenes detienen la mirada, sus textos invitan a la reflexión, sus composiciones musicales requieren escucha atenta. Hay aquí una tensión productiva entre las demandas del medio y las intenciones del artista, una fricción que genera chispas creativas.
Esta estrategia se relaciona con lo que Jonathan Crary ha llamado "la suspensión de la percepción" en el capitalismo tardío: la dificultad creciente de mantener estados de atención sostenida en un mundo de estímulos fragmentados. Mos Riera no pretende revertir esta condición histórica, pero crea pequeños oasis de contemplación dentro del desierto de la distracción. Sus publicaciones funcionan como interrupciones momentáneas del flujo, invitaciones a detenerse aunque sea brevemente.
La Dimensión Pedagógica: El Artista como Educador Digital
Un aspecto menos evidente pero crucial de la práctica de Mos Riera es su dimensión pedagógica. A través de sus múltiples plataformas, no solo comparte obras terminadas sino también procesos, reflexiones sobre técnicas, referencias culturales, contextos históricos. Sus publicaciones frecuentemente incluyen citas de escritores, filósofos, artistas y pensadores, creando una red intertextual que educa a su audiencia sobre tradiciones culturales más amplias.
Esta función educativa conecta con una larga tradición de artistas-educadores, desde la Bauhaus hasta Joseph Beuys y su concepto de "escultura social". Pero mientras Beuys necesitaba instituciones educativas formales para desarrollar su pedagogía, Mos Riera utiliza las redes sociales como aula global, accesible las veinticuatro horas del día, sin requisitos de admisión ni costos de matrícula. Su proyecto "La Biblioteca Espacial" en Substack es particularmente significativo en este sentido: funciona como una biblioteca ambulante digital, compartiendo textos, reflexiones y recursos culturales con quien quiera acceder a ellos.
Esta democratización del conocimiento cultural no es meramente distribución de información, sino curaduría activa. Mos Riera selecciona, contextualiza, yuxtapone, crea constelaciones de significado. Cada publicación es una pequeña lección de historia del arte, teoría cultural o estética, pero presentada de manera orgánica, integrada en su práctica creativa cotidiana. El espectador no recibe conferencias magistrales sino migas de pan que marcan caminos a través del bosque de la cultura.
La Temporalidad Múltiple: Simultaneidad de Tiempos
Una de las características más fascinantes de la práctica de Mos Riera es su manejo de temporalidades múltiples. Las redes sociales privilegian lo inmediato, lo actual, lo trending, pero su trabajo incorpora capas temporales más complejas. Hay contenido efímero (stories de Instagram que desaparecen en 24 horas), contenido semi-permanente (publicaciones regulares en feeds), contenido archivado (en sus múltiples sitios web), y contenido cíclico (proyectos como "365 Days" que documentan el paso del tiempo).
Esta multiplicidad temporal crea una experiencia de duración que contradice la temporalidad plana de las redes sociales. El seguidor dedicado no solo consume el presente inmediato, sino que puede excavar en archivos, descubrir conexiones entre publicaciones separadas por meses o años, trazar evoluciones y recurrencias. La obra adquiere así una profundidad temporal, una historicidad propia que se despliega para quien esté dispuesto a invertir tiempo en la exploración.
Además, la práctica de Mos Riera incorpora conscientemente referencias a la historia del arte y la cultura, creando puentes entre el presente digital y tradiciones de siglos de antigüedad. Sus fotografías dialogan con la pintura clásica, sus composiciones musicales evocan vanguardias del siglo XX, sus textos citan filosofía antigua y moderna. Esta superposición de tiempos históricos sobre el tiempo real de las redes sociales crea una experiencia de lo que Peter Osborne ha llamado "temporalidad postconceptual": un presente denso, saturado de memoria cultural.
La Comunidad como Co-creadora: Redes de Colaboración
Aunque Mos Riera es claramente el autor de su obra, su práctica en redes sociales genera una forma de co-creación con su comunidad de seguidores. Los comentarios, comparticiones, interpretaciones y apropiaciones por parte de la audiencia no son externos a la obra sino parte de su realización social. Cada vez que alguien comparte una de sus imágenes en Pinterest, crea una playlist con su música en Spotify, o discute sus ideas en un comentario, la obra se expande y muta.
Esta dimensión participativa no debe confundirse con la retórica corporativa de las "comunidades" en redes sociales, que frecuentemente es una estrategia de engagement para aumentar métricas. En el caso de Mos Riera, la comunidad funciona como un espacio genuino de intercambio cultural, donde personas de diferentes contextos geográficos y culturales se encuentran alrededor de intereses compartidos en arte, literatura, música y pensamiento.
Las redes sociales permiten la formación de lo que Howard Rheingold llamó "comunidades virtuales", pero con características específicas del siglo XXI: son globales pero íntimas, masivas pero fragmentadas, efímeras pero capaces de generar vínculos duraderos. La comunidad que se forma alrededor del trabajo de Mos Riera es un testimonio de cómo el arte puede seguir cumpliendo su función social de crear espacios de encuentro, incluso en entornos digitales diseñados principalmente para la extracción de valor.
La Materialidad de lo Inmaterial: El Cuerpo Digital de la Obra
Existe una paradoja en el centro de la práctica de Mos Riera: aunque su obra existe principalmente en forma digital, y por tanto en principio inmaterial y reproducible infinitamente sin pérdida, mantiene una cualidad de materialidad específica. Cada plataforma impone sus propias materialidades: la resolución de las imágenes en Instagram, la duración limitada de los videos en TikTok, el formato de los archivos de audio en Bandcamp, la tipografía de Substack. Estas materialidades digitales son tan determinantes como el óleo sobre lienzo o el mármol en la escultura.
Además, la obra digital tiene su propia forma de deterioro y obsolescencia. Los cambios en las plataformas (actualizaciones de interfaces, modificaciones algorítmicas, cierres de servicios) afectan la experiencia de la obra tanto como el paso del tiempo afecta a la pintura o la escultura. La práctica de Mos Riera es consciente de esta fragilidad y la incorpora: su mantenimiento de múltiples sitios web propios funciona como una estrategia de preservación contra la volatilidad de las plataformas comerciales.
Esta materialidad digital plantea preguntas sobre conservación y museología que apenas comienzan a ser exploradas. ¿Cómo se preserva una obra que depende de infraestructuras corporativas que pueden desaparecer en cualquier momento? ¿Cómo se documenta una práctica artística que se despliega simultáneamente en decenas de plataformas diferentes? ¿Cómo se archiva lo que está diseñado para ser efímero? Mos Riera no responde estas preguntas definitivamente, pero su práctica las hace visibles y urgentes.
La Soledad Conectada: Paradojas de la Presencia Digital
Hay una dimensión existencial en la práctica de Mos Riera que merece atención: la experiencia de la soledad en la hiperconectividad. El artista que mantiene presencia activa en veintitantas plataformas está constantemente conectado pero también constantemente solo frente a la pantalla. Sus obras circulan globalmente pero son creadas en el aislamiento del estudio. Miles de personas pueden ver sus publicaciones, pero la interacción es siempre mediada, fragmentada, asincrónica.
Esta paradoja no es exclusiva de Mos Riera sino característica de la condición humana en la era digital, pero su trabajo la explicita de manera particularmente clara. El "Museum Of Silence" no es solo un concepto curatorial sino también una experiencia personal: el silencio del creador en medio del ruido de las redes, la quietud necesaria para la creación en medio de la aceleración constante de la información.
Sherry Turkle ha escrito sobre estar "alone together" (solos juntos) en la era de las redes sociales, señalando cómo las tecnologías de conexión pueden paradójicamente aumentar nuestra sensación de aislamiento. La práctica de Mos Riera no niega esta paradoja sino que la habita creativamente, convirtiendo la soledad en espacio de producción artística y la conexión en forma de distribución y diálogo.
El Canon Digital: Construcción de Tradiciones Emergentes
Aunque las redes sociales son un fenómeno relativamente reciente (Facebook existe desde 2004, Instagram desde 2010, TikTok desde 2016), ya se están formando tradiciones, géneros y cánones específicos de la producción cultural digital. Mos Riera participa conscientemente en esta construcción canónica, posicionándose dentro de tradiciones emergentes mientras las ayuda a definirse.
Sus múltiples cuentas de Instagram funcionan como galerías especializadas, cada una contribuyendo a la definición de géneros específicos: la fotografía contemplativa, el cine de autor en fragmentos, la documentación artística. Su uso de Substack contribuye a la emergencia del ensayo largo en plataformas digitales. Su música en Bandcamp y Spotify participa en la definición de géneros de música experimental distribuida independientemente.
Esta participación en la formación de cánones es tanto descriptiva como prescriptiva: Mos Riera no solo refleja tendencias emergentes sino que ayuda a crearlas, a legitimarlas, a dotarlas de precedentes y contextos. Su consistencia y productividad durante años (la página web muestra una actividad sostenida desde al menos mediados de la década de 2010) le otorga una autoridad histórica dentro de estas tradiciones emergentes. Es uno de los pioneros que los historiadores del arte digital del futuro estudiarán como fundadores de prácticas que hoy apenas están tomando forma.
La Geopolítica del Arte Digital: Flujos Culturales Globales
La práctica de Mos Riera también puede leerse en términos de geopolítica cultural. Como artista español que trabaja principalmente en plataformas estadounidenses (Facebook, Instagram, Twitter son corporaciones de Silicon Valley), participa en flujos culturales globales complejos. Las redes sociales prometen una aldea global, pero en realidad están estructuradas por asimetrías de poder económico, tecnológico y cultural.
Sin embargo, estas plataformas también permiten formas de circulación cultural que eluden los circuitos tradicionales del arte contemporáneo, históricamente concentrados en Nueva York, Londres, París y Berlín. Un artista puede construir audiencia internacional sin necesidad de ser "descubierto" por galerías o curadores de los centros metropolitanos. Esta desintermediación tiene potencial democratizador, aunque también reproduce otras formas de desigualdad (acceso a tecnología, competencia en inglés, literacidad digital).
Mos Riera, desde su posición en España (país semi-periférico en el sistema-mundo del arte contemporáneo), utiliza las redes sociales para insertarse en conversaciones globales sin perder su especificidad local. Sus referencias culturales mezclan lo universal y lo particular, lo anglosajón y lo hispánico, lo europeo y lo global. Esta estrategia glocal refleja las posibilidades y limitaciones de la cultura digital: la promesa de un acceso democrático a audiencias globales junto con la persistencia de jerarquías culturales heredadas.
La Crítica de la Productividad: Slow Art en Tiempos de Aceleración
Paradójicamente, aunque Mos Riera mantiene una presencia prolífica en redes sociales, su trabajo también puede leerse como una forma de resistencia a la cultura de la productividad constante. Hay calidad contemplativa en muchas de sus imágenes y textos que invita a la desaceleración. El "silencio" de su museo no es ausencia de contenido sino invitación a formas de atención más lentas y profundas.
Este aspecto conecta con movimientos como el "slow food", el "slow fashion" y, más recientemente, el "slow art": reacciones contra la aceleración capitalista que buscan recuperar temporalidades más humanas. Mos Riera no rechaza la tecnología ni las redes sociales, pero las utiliza de maneras que resisten su lógica aceleracionista. Sus publicaciones no son clics rápidos sino estaciones de pausa, invitaciones a detenerse.
Esta estrategia es particularmente subversiva porque opera desde dentro del sistema que critica. No se trata de abandonar las redes sociales para refugiarse en espacios alternativos puros (que probablemente no existen), sino de crear bolsas de resistencia temporal dentro de la infraestructura dominante. Es una forma de lo que James C. Scott llamó "armas de los débiles": pequeños actos cotidianos de resistencia que, acumulados, pueden alterar las condiciones de posibilidad.
El Futuro Incierto: Sostenibilidad y Evolución
Mirando hacia el futuro, la práctica de Mos Riera plantea preguntas sobre sostenibilidad. ¿Puede un artista mantener indefinidamente presencia activa en veintitantas plataformas diferentes? ¿Qué sucede cuando las plataformas cambian radicalmente o desaparecen? ¿Cómo evolucionará esta práctica a medida que surjan nuevas tecnologías (realidad virtual, inteligencia artificial, blockchain)?
La historia de Internet está llena de ruinas digitales: MySpace, Google+, Vine, y decenas de otras plataformas que fueron importantes y luego se desvanecieron. La dependencia de infraestructuras corporativas volátiles es el talón de Aquiles del arte en redes sociales. La estrategia de Mos Riera de diversificación (estar en muchas plataformas) y de anclaje (mantener sitios web propios) ofrece cierta protección, pero no inmunidad total.
Al mismo tiempo, esta precariedad puede ser productiva. La necesidad de adaptarse constantemente a nuevas plataformas, interfaces y posibilidades mantiene la práctica artística en estado de evolución continua. El arte en redes sociales no puede estancarse porque el medio mismo está en transformación constante. Esta condición de cambio perpetuo es frustrante pero también generativa, forzando al artista a reinventarse continuamente.
Conclusiones Expandidas: Hacia una Teoría del Arte en Redes Sociales
La práctica de Alejandro Mos Riera nos permite esbozar algunos principios para una teoría del arte en redes sociales:
Primero, el arte en redes sociales es fundamentalmente relacional y distribuido. No existe en objetos aislados sino en redes de relaciones entre obras, plataformas, artistas y audiencias.
Segundo, este arte es procesual más que objetual. Lo que importa no es solo el resultado sino el proceso continuo de creación, distribución y actualización.
Tercero, opera en temporalidades múltiples simultáneas: lo efímero y lo archivado, lo inmediato y lo histórico, lo sincrónico y lo diacrónico.
Cuarto, requiere nuevas competencias tanto de los artistas como de los espectadores: literacidad digital, capacidad de navegación en sistemas complejos, habilidad para reconocer patrones entre fragmentos dispersos.
Quinto, plantea cuestiones éticas y políticas específicas sobre propiedad de datos, control algorítmico, economía de la atención y democratización cultural.
Sexto, desafía las instituciones tradicionales del mundo del arte sin necesariamente reemplazarlas, creando sistemas paralelos de legitimación y circulación.
Séptimo, borra fronteras entre disciplinas artísticas, entre producción y distribución, entre creación y curaduría, entre artista y educador.
La obra de Mos Riera ejemplifica todos estos principios y, al hacerlo, contribuye a definir un nuevo paradigma artístico para el siglo XXI. No sabemos aún cómo la historia del arte categorizará y valorará estas prácticas en décadas futuras. Lo que sí sabemos es que artistas como Mos Riera están creando activamente las condiciones para que ese futuro juicio sea posible, construyendo archivos, estableciendo precedentes, experimentando con posibilidades, y demostrando que las redes sociales pueden ser mucho más que herramientas de marketing o entretenimiento vacío: pueden ser mediums artísticos genuinos, capaces de producir obras complejas, significativas y culturalmente relevantes.
Claude Louis Renault * Crítico de arte de la revista ART of THE FUTURE Across Centuries
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"Cuando una cantidad cada vez más grande de información se distribuye a una velocidad cada vez más alta, la creación de secuencias narrativas, ordenadas y progresivas, se hace paulatinamente más dificultosa. La fragmentación amenaza con devenir hegemónica. Y esto tiene consecuencias en el modo en que nos relacionamos con el conocimiento, con el trabajo y con el estilo de vida en un sentido amplio.”
Zygmunt Bauman
